5 gesproke woordkunstenaars praat oor verskillende Latino-ervarings in die Verenigde State


April is die nasionale poësiemaand en om dit te vier, het ons gesproke video's van regoor die internet versamel wat spreek van die diversiteit van die Latino-ervaring. Kyk na ons gunstelinge hieronder.

1.

2.

3.

4.

5.

Wat het u van hierdie verhaal gedink?


Inhoud

  • 1 Historiese eienskappe
  • 2 Geskiedenis
    • 2.1 18de eeu
    • 2.2 19de eeu
    • 2.3 Vroeë 20ste eeu (1900 - 1930)
    • 2.4 Middel 20ste eeu (1940's - 1960's)
    • 2.5 1970's
    • 2.6 1980's
    • 2.7 1990's, 2000's en 2010's
  • 3 Afro-Amerikaanse musiekstyle
    • 3.1 Christelik
    • 3.2 Sekulêr
  • 4 Ekonomiese impak
  • 5 Kyk ook
  • 6 Verwysings
    • 6.1 Bronne
  • 7 Verdere leeswerk
  • 8 Eksterne skakels

Behalwe dat dit harmonieuse en ritmiese kenmerke uit die westelike en suid van die Afrika suid van die Sahara gebring het om aan Europese musiekinstrumente te voldoen, was dit ook die historiese toestand van slawerny wat deur swart Amerikaners in die Amerikaanse samelewing gedwing is, wat die toestande bygedra het wat hul musiek sou definieer.

Baie van die kenmerkende musiekvorme wat Afro-Amerikaanse musiek definieer, het historiese presedente. Hierdie vroeëre vorms sluit in: veldholers, beat-boks, werklied, gesproke woord, rapping, skatting, oproep en reaksie, vokaliteit (of spesiale vokale effek: gutturale effekte, geïnterpoleerde vokaliteit, falsetto, melisma, vokale ritmisering), improvisasie, blou note , polyritmes (sinkopasie, konkresensie, spanning, improvisasie, perkussie, swaaiende noot), tekstuur (antifonie, homofonie, polifonie, heterofonie) en harmonie (volksmondige progressies, komplekse, meerdelige harmonie, soos in spirituals, Doo Wop en barbershopmusiek ). [2]

18de eeu Edit

In die laat 18de eeu het volksgeestes ontstaan ​​onder suidelike slawe, na hul bekering tot die Christendom. Bekering het egter nie daartoe gelei dat slawe mense die tradisies aanneem wat verband hou met die beoefening van die Christendom nie. In plaas daarvan het hulle hulle herinterpreteer op 'n manier wat vir hulle as Afrikane in Amerika betekenis gehad het. Hulle het die spirituals gereeld in groepe gesing terwyl hulle op die plantasievelde gewerk het.

In teenstelling met baie wit evangelies was volksgeestes dikwels geesdriftig: verslaafdes het dans (later bekend as "die gejuig") en ander vorme van liggaamlike bewegings by die sang gevoeg. Hulle het ook die melodieë en ritmes van psalms en gesange verander, soos om die tempo te versnel, herhaalde refreine en refreine by te voeg en tekste te vervang met nuwe woorde wat dikwels Engelse en Afrikaanse woorde en frases kombineer. Oorspronklik word volksgeestes meer as drie eeue lank sentraal in die lewe van Afro-Amerikaners gevoer en dien hulle godsdienstige, kulturele, sosiale, politieke en historiese funksies. [3]

Volksgeestes is spontaan geskep en uitgevoer in 'n herhalende, geïmproviseerde styl. Die mees algemene liedstrukture is die oproep-en-antwoord ("Blow, Gabriel") en herhalende refreine ("He Rose from the Dead"). Die oproep-en-antwoord is 'n wisselende wisselwerking tussen die solis en die ander sangers. Die solis improviseer gewoonlik 'n reël waarop die ander sangers reageer en herhaal dieselfde frase. Liedinterpretasie bevat die tussenwerpsels van gekerm, huil, holers ens. En veranderende vokale klanke. Sang gaan ook gepaard met handeklap en voetstamp.

19de eeu Edit

Die invloed van Afro-Amerikaners op die Amerikaanse Amerikaanse musiek het in die 19de eeu begin, met die opkoms van swartgesig. Die banjo, van Afrika-oorsprong, het 'n gewilde instrument geword, en die ritmes wat deur Afrika afkomstig is, is deur Stephen Foster en ander liedjieskrywers in populêre liedjies opgeneem. In die 1830's het die Tweede Groot Ontwaking gelei tot 'n toename in Christelike herlewings en piëtisme, veral onder Afro-Amerikaners. Die verslaafde Afro-Amerikaners het ontstaan ​​uit tradisionele werksliedjies en het 'n wye verskeidenheid Spirituals en ander Christelike musiek begin uitvoer. Sommige van hierdie liedjies was gekodeerde boodskappe van ondermyning teen slawe, of 'n teken van ontsnapping.

Gedurende die tydperk na die burgeroorlog het die verspreiding van Afro-Amerikaanse musiek voortgegaan. Die Jubilee-sangers van die Fisk Universiteit het die eerste keer in 1871 getoer. Kunstenaars, waaronder Jack Delaney, het gehelp om 'n rewolusie in die naoorlogse Afro-Amerikaanse musiek in die ooste van die Verenigde State te maak. In die daaropvolgende jare het professionele "jubileum" -troepe gevorm en getoer. Die eerste swart musikale komediegroep, Hyers Sisters Comic Opera Co., is in 1876 georganiseer. [4] In die laaste helfte van die 19de eeu het Amerikaanse barbershops dikwels as gemeenskapsentrums gedien, waar die meeste mans sou vergader. Barbershop-kwartette het ontstaan ​​uit Afro-Amerikaanse mans wat in barbershops gesellig was, en hulle sou harmoniseer terwyl hulle op hul beurt gewag het, en hulle het gesing in spirituals, volksliedjies en gewilde liedjies. Dit het 'n nuwe styl genereer wat bestaan ​​uit onbegeleide, vierstemmige, nou-harmonie-sang. Later het blanke sangers die styl aangeneem, en in die vroeë dae van die opname-industrie is hul optredes opgeneem en verkoop. Teen die einde van die 19de eeu was Afro-Amerikaanse musiek 'n integrale deel van die Amerikaanse Amerikaanse hoofkultuur.

Vroeë 20ste eeu (1900 - 1930) Edit

In die vroeë 20ste-eeuse Amerikaanse musiekteater het die eerste musiekspele wat deur Afro-Amerikaners geskryf en vervaardig is, in 1898 op Broadway gedebuteer met 'n musiekblyspel deur Bob Cole en Billy Johnson. In 1901 was die eerste opname van swart musikante van Bert Williams en George Walker, met musiek uit Broadway-musiekblyspele. Theodore Drury het swart kunstenaars gehelp om in die operaveld te ontwikkel. Hy het die Drury Opera Company in 1900 gestig en hoewel hy 'n wit orkes gebruik het, het hy swart sangers in hoofrolle en kore vertoon. Alhoewel hierdie geselskap eers vanaf 1900 tot 1908 bedrywig was, was swart sangers se geleenthede met Drury die eerste swart deelname aan operageselskap. Ook Scott Joplin se opera is van groot belang Treemonisha, wat uniek is as 'n ragtime-folkopera, is die eerste keer in 1911. [5]

Die vroeë deel van die 20ste eeu het 'n toename in gewildheid van Afro-Amerikaanse blues en jazz gehad. Afro-Amerikaanse musiek is in hierdie tyd 'rasmusiek' genoem. [6] Hierdie term het momentum gekry weens Ralph Peer, musikale direkteur van Okeh Records, wat plate wat deur 'buitelandse' groepe gemaak is, onder die etiket geplaas het. Destyds was 'ras' 'n term wat algemeen deur Afro-Amerikaanse pers gebruik word om te praat oor die gemeenskap as geheel met 'n bemagtigende standpunt, want 'n persoon van 'ras' was betrokke by die stryd vir gelyke regte. [7] Ook ontwikkelings op die gebied van visuele kunste en die Harlem Renaissance het gelei tot ontwikkeling in musiek. Ragtime-kunstenaars soos Scott Joplin het gewild geraak en sommige was verbonde aan die Harlem Renaissance en vroeë burgerregte-aktiviste. Daarbenewens was wit en Latino-kunstenaars van Afro-Amerikaanse musiek sigbaar, gewortel in die geskiedenis van kruiskulturele kommunikasie tussen die Verenigde State se rasse. Afro-Amerikaanse musiek is dikwels aangepas vir wit gehore, wat nie swart kunstenaars so maklik aanvaar het nie, wat lei tot genres soos swing-musiek, 'n pop-gebaseerde uitvloeisel van jazz.

Daarbenewens het Afro-Amerikaners teen die begin van die 20ste eeu deel van klassieke musiek geword. Alhoewel swart musikante oorspronklik uitgesluit was van groot simfonieorkeste, kon hulle studeer in musiekkonservatoriums wat in die 1860's gestig is, soos die Oberlin School of Music, National Conservatory of Music en die New England Conservatory. [8] Swartmense het ook aan die begin van die 20ste eeu hul eie simfonieorkeste gevorm in groot stede soos Chicago, New Orleans en Philadelphia. Verskeie swart orkeste het in die laat 1890's en die vroeë 20ste eeu gereeld opgetree. In 1906 is die eerste ingelyfde swart orkes in Philadelphia gestig. [9] In die vroeë 1910's is swart musiekskole, soos die Music School Settlement for Coloured en die Martin-Smith School of Music, in New York gestig. [10]

Die Music School Settlement for Coloured het 'n borg geword van die Clef Club-orkes in New York. Die Clef Club-simfonieorkes het beide swart en wit gehore na konserte in Carnegie Hall van 1912 tot 1915 gelok. Die orkes het onder leiding van James Reese Europe en William H. Tyers banjo's, mandoliene en baritonhorings gehad. Konserte bevat musiek geskryf deur swart komponiste, veral Harry T. Burleigh en Will Marion Cook. Ander jaarlikse swart konsertreekse sluit die konserte "All-Coloured Composers" in William Hackney in Chicago en die Atlanta Coloured Music Festivals in. [11]

Die terugkeer van die swart musiekblyspel na Broadway het in 1921 plaasgevind Sissle en Eubie Blake s'n Skuifel langs. In 1927 is 'n konsertopname van swart musiek in Carnegie Hall uitgevoer, waaronder jazz, spirituals en die simfoniese musiek van W. C. Handy's Orchestra en die Jubilee Singers. Die eerste groot filmmusiek met 'n swart rolverdeling was die van King Vidor Halleluja van 1929. Afro-Amerikaanse kunstenaars was in die musiekblyspel te sien Skouboot (wat 'n deel vir Paul Robeson en 'n koor van Jubilee Singers laat skryf het), en veral heel swart operas soos Porgy en Bess en Virgil Thomson s’n Vier heiliges in drie handelinge van 1934.

Die eerste simfonie deur 'n swart komponis wat deur 'n groot orkes opgevoer is, was die van William Grant Still Afro-Amerikaanse simfonie (1930) deur die New York Philharmonic. Die simfonie in E mineur van Florence Beatrice Price word in 1933 deur die Chicago Symphony Orchestra opgevoer. [12] In 1934, William Dawson's Neger Volksimfonie is opgevoer deur die Philadelphia Orkes. [13]

Afro-Amerikaners was die pioniers van jazzmusiek, deur meesters soos Jelly Roll Morton, James P. Johnson, Louis Armstrong, Count Basie, Fletcher Henderson en Duke Ellington.

Middel 20ste eeu (1940 - 1960) Edit

Aanplakbord het in Oktober 1942 'n aparte lys met trefferplate vir Afro-Amerikaanse musiek begin maak met die "Harlem Hit Parade", wat in 1945 verander is na "Race Records", en daarna in 1949 na "Rhythm and Blues Records". [14] [15]

Teen die veertigerjare was dekkingweergawes van Afro-Amerikaanse liedjies alledaags, en hulle het gereeld bo-aan die lys gekom, terwyl die oorspronklike musikante sukses onder hul Afro-Amerikaanse gehoor gevind het, maar nie in die hoofstroom nie. In 1955 oorreed Thurman Ruth 'n gospelgroep om in 'n sekulêre omgewing, die Apollo-teater, te sing, met soveel sukses dat hy daarna gospel-karavane gereël het wat deur die land gereis het, en dieselfde plekke gespeel het wat die ritme- en bluesangers gewild het. Intussen het jazzkunstenaars die jazz begin wegstoot van swaai, dansbare populêre musiek, na meer ingewikkelde verwerkings, improvisasie en tegnies uitdagende vorms, wat uitloop op die bebop van Charlie Parker en Dizzy Gillespie, die cool klanke en modale jazz van Miles Davis, en die gratis jazz van Ornette Coleman en John Coltrane.

Afro-Amerikaanse musikante in die veertiger- en vyftigerjare was besig om ritme en blues te ontwikkel tot 'n genre genaamd rock and roll, met 'n sterk terugslag en waarvan Louis Jordan en Wynonie Harris 'n prominente eksponent was. Dit was egter met wit musikante soos Bill Haley en Elvis Presley, wat 'n samesmelting van swart rock en roll met countrymusiek genaamd rockabilly gespeel het, en dat rock and roll-musiek kommersieel suksesvol geword het. Rockmusiek het daarna meer met wit mense geassosieer, hoewel sommige swart kunstenaars soos Chuck Berry en Bo Diddley kommersiële sukses behaal het.

In 2017 het National Public Radio oor die loopbaan van suster Rosetta Tharpe geskryf en afgesluit met hierdie kommentaar: Tharpe "was 'n gospelsangeres wat 'n bekende persoonlikheid geword het deur musikaal 'n nuwe weg te smee. Deur haar onvergeetlike stem en gospel-swing crossover-styl, Tharpe beïnvloed 'n generasie musikante, waaronder Aretha Franklin, Chuck Berry en talle ander. Sy was en is 'n ongeëwenaarde kunstenaar. ' [16]

Teen die einde van die veertigerjare het ander Afro-Amerikaners gepoog om as professionele opgeleide klassieke musikante saam te werk in 'n poging om rasse- en nasionalistiese hindernisse oor te steek in die era van die Tweede Wêreldoorlog. In hierdie groep was Henry Lewis, wat in 1948 na vore getree het as die eerste Afro-Amerikaanse instrumentalis in 'n toonaangewende Amerikaanse simfonieorkes, 'n vroeë "musikale ambassadeur" ter ondersteuning van kulturele diplomasie in Europa en die eerste Afro-Amerikaanse dirigent van 'n groot Amerikaner. simfoniese ensemble in 1968. [17] [18] [19] [20]

Die term 'rock and roll' het 'n sterk seksuele konnotasie in jump blues en R&B gehad, maar toe DJ Alan Freed in die middel 50's na rock and roll op die hoofradio verwys het, is die seksuele komponent genoeg geskakel sodat dit bloot 'n aanvaarbare term vir dans ". [21]

Volgens baie bronne het R&B 'n sterk invloed op Rock and roll gehad, waaronder 'n artikel in die Wall Street Journal van 1985, getiteld "Rock! It's Still Rythm and Blues". In werklikheid het die skrywer gesê dat die "twee terme deurmekaar gebruik is", tot ongeveer 1957. [22]

Fats Domino was nie oortuig dat daar 'n nuwe genre is nie. In 1957 het hy gesê: "Wat hulle nou rock 'n roll noem, is ritme en blues. Ek speel dit al 15 jaar in New Orleans". [23] Volgens Rollende klip, "dit is 'n geldige stelling. Alle rockers uit die vyftigerjare, swart en wit, gebore in die land en in die stad, is fundamenteel beïnvloed deur R&B, die swart populêre musiek van die laat veertiger- en vroeë vyftigerjare". [24] Elvis Presley se erkenning van die belangrikheid van kunstenaars soos Fats Domino was volgens 'n artikel van 2017 belangrik: die "kampvegter vir swart musikante as deel van 'n vertelling wat baie positiewe sien in die groeiende jong wit belangstelling in Afro-Amerikaanse musiekblyspel style ". [25] Tydens 'n persgeleentheid in 1969 stel Presley Fats Domino bekend, en sê: "dit is die regte King of Rock 'n 'Roll". 'n groot invloed op my toe ek begin het. "[26]

In die vyftigerjare was daar ook 'n toenemende populariteit van harde blues in die styl vanaf die vroegste deel van die eeu, beide in die Verenigde State en die Verenigde Koninkryk. In die vyftigerjare word ook doo-wop-styl gewild. Doo-wop is ontwikkel deur middel van stemgroepharmonie met die musikale eienskappe van verskillende vokale dele, onsinnige lettergrepe, min of geen instrumentasie en eenvoudige lirieke. Dit het gewoonlik behels dat enkellopende kunstenaars saam met 'n begeleidingsgroep verskyn. Alle faktore is gegee aan voorsangers wat meer prominent in die musiekverwerking was. 'N Gesekulariseerde vorm van Amerikaanse gospelmusiek genaamd soul het ook ontwikkel in die middel van die 1950's, met pioniers soos Ray Charles, [28] Jackie Wilson en Sam Cooke wat die golf gelei het. [29] Soul en R&B het 'n groot invloed op branders geword, sowel as die meisiesgroepe op die ranglys, waaronder The Angels en The Shangri-Las, waarvan slegs sommige wit was. In 1959 stel Hank Ballard 'n liedjie vry vir die nuwe dansstyl "The Twist" wat van die vroeë 60's tot die 70's die nuwe dansbegeerte word. [30]

In 1959 stig Berry Gordy Motown Records, die eerste platemaatskappy met hoofsaaklik Afro-Amerikaanse kunstenaars wat daarop gemik is om sukses te behaal. Die etiket het 'n innoverende - en kommersieel suksesvolle - styl van soulmusiek ontwikkel met kenmerkende pop-elemente. Die vroeë rooster was onder meer The Miracles, Martha and the Vandellas, Marvin Gaye, The Temptations, The Supremes, en ander. [31] Swart divas soos Aretha Franklin word 'crossover stars' uit die 60's. In die Verenigde Koninkryk het Britse blues 'n geleidelike hoofstroomverskynsel geword en teruggekeer na die VSA in die vorm van die British Invasion, 'n groep bands onder leiding van The Beatles en The Rolling Stones wat blues en R & B-geïnspireerde pop uitgevoer het, met beide tradisionele en gemoderniseerde aspekte. WGIV in Charlotte, Noord-Carolina, was een van 'n paar radiostasies wat toegewy was aan Afro-Amerikaanse musiek wat gedurende hierdie tydperk begin het.

Die Britse inval het talle swart kunstenaars van die Amerikaanse popkaarte gehaal, hoewel sommige, onder wie Otis Redding, Wilson Pickett en Aretha Franklin en 'n aantal Motown-kunstenaars, steeds goed gevaar het. Soul-musiek het egter gewild gebly onder swart mense deur hoogs ontwikkelde vorms soos funk, wat ontwikkel is uit die innovasies van James Brown. [32] In 1961 het 'n jong seun met die naam Stevland Hardaway Morris op 11-jarige ouderdom sy eerste plaat onder Motown se Tamla-plaat opgeneem as Stevie Wonder en dit was die begin van sy groot loopbaan. [33]

In 1964 het die Burgerregtewet die belangrikste vorme van diskriminasie teen Afro-Amerikaners en vroue verbied. Namate spanning begin afneem het, het meer Afro-Amerikaanse musikante oorgegaan na hoofstroom-smaak. Sommige kunstenaars wat suksesvol oorgesteek het, was Aretha Franklin, James Brown en Ella Fitzgerald in die pop- en jazz-wêreld, en Leontyne Price en Kathleen Battle op die gebied van die klassieke musiek.

Teen die einde van die dekade was swart mense deel van die neiging tot psigedelia en vroeë heavy metal, veral deur die alomteenwoordige invloed van die Beatles en die innovasies van Jimi Hendrix op die gebied van elektriese kitare. [34] Hendrix was een van die eerste kitaarspelers wat klankterugvoer, fuzz en ander effektepedale soos die wah wah-pedaal gebruik het om 'n unieke kitaar solo-klank te skep. Psigedeliese siel, 'n mengsel van psigedeliese rock en soul het begin floreer met die kultuur van die 1960's. Selfs meer gewild onder swartmense, en met 'n meer aantreklike aantrekkingskrag, was album-georiënteerde soul in die laat 1960's en vroeë 1970's, wat 'n rewolusie in Afro-Amerikaanse musiek gehad het. Die genre se intelligente en introspektiewe lirieke, dikwels met 'n sosiaal bewuste toon, is geskep deur kunstenaars soos Marvin Gaye in Wat gaan aan, en Stevie Wonder in Liedjies in die sleutel van die lewe.

1970's Edit

Die 1970's was 'n goeie dekade vir swart bands wat melodieuse musiek gespeel het. Album-georiënteerde soul het sy gewildheid voortgesit, terwyl musikante soos Smokey Robinson gehelp het om dit tot Quiet Storm-musiek te maak. Funk het in twee snare ontwikkel, die een 'n pop-soul-jazz-bas-fusie wat deur Sly & the Family Stone ontwikkel is, en die ander 'n meer psigedeliese samesmelting, geïdentifiseer deur George Clinton en sy P-Funk-ensemble. Die klank van Disco het ontstaan ​​uit swart musikante wat Soul-musiek geskep het met 'n tempo-melodie. Isaac Hayes, Barry White, Donna Summer en onder andere help gewilde diskomusiek. Hierdie musiek is egter geïntegreer in populêre musiek wat hoofstroom sukses behaal.

Swart musikante het 'n groot sukses behaal, hoewel sommige Afro-Amerikaanse kunstenaars, waaronder The Jackson 5, Roberta Flack, Dionne Warwick, Stevie Wonder, The O'Jays, Gladys Knight & the Pips 'n crossover-gehoor gevind het. Blanke luisteraars verkies country rock, singer-songwriters, stadium rock, soft rock, glam rock, en in sommige subkulture, heavy metal en punk rock. Gedurende die 1970's het The Dozens, 'n stedelike Afro-Amerikaanse tradisie om speelse rympies te gebruik, in die vroeë 70's tot street jive ontwikkel, wat weer 'n nuwe musiekvorm geïnspireer het in die laat 1970's: hip-hop. Gesproke kunstenaars soos The Last Poets, Gil Scott-Heron en Melvin Van Peebles word ook genoem as die belangrikste innoveerders in die vroeë hiphop. Begin by blokpartytjies in The Bronx, het hip-hop-musiek ontstaan ​​as een faset van 'n groot subkultuur met opstandige en progressiewe elemente. DJ's het plate gespin, meestal funk, terwyl MC's liedjies aan die dansende gehoor bekendgestel het. Met verloop van tyd het DJ's, veral die Jamaikaanse immigrant DJ Kool Herc, die perkussiebreuke begin isoleer en herhaal, en hulle het 'n konstante, by uitstek dansbare maat gelewer wat hulle of MC's begin rappe het deur middel van rympies en uiteindelik volgehoue ​​lirieke. [35] Hip Hop sou 'n multikulturele beweging in die jong swart Amerika word, gelei deur kunstenaars soos Kurtis Blow en Run-DMC.

1980's Edit

In die 1980's behaal Michael Jackson 'n rekord-sukses met sy albums Van die muur af, Sleg, en Riller - laasgenoemde is steeds die topverkoperalbum aller tye - wat populêre musiek transformeer en rasse, ouderdomme en geslagte verenig, en sal uiteindelik lei tot suksesvolle crossover-swart solo-kunstenaars, waaronder Prince, Lionel Richie, Luther Vandross, Tina Turner, Whitney Houston, en Janet Jackson. Pop en dance-soul van hierdie era het aan die einde van die dekade nuwe jack swing geïnspireer.

Hip-hop het oor die land heen versprei en gediversifiseer. Techno, Dance, Miami bas, post-disco, Chicago house, Los Angeles hardcore en Washington, D.C. Go-go ontwikkel gedurende hierdie tydperk, met slegs Miami bas wat mainstream sukses behaal. Maar kort voor lank is die bas van Miami hoofsaaklik in die suidoostelike VSA verplaas, terwyl die Chicago-huis sterk opgang gemaak het op kollegekampusse en dansarena's (dit wil sê die pakhuisgeluid, die rave). Die DC go-go-klank van Miami-bas was in wese 'n streeksgeluid wat nie veel massa-aantrekkingskrag gekry het nie. Die huisgeluid van Chicago het uitgebrei na die Detroit-musiekomgewing en gemuteer tot meer elektroniese en industriële klanke wat Detroit-techno, acid, jungle skep. Die koppeling van hierdie eksperimentele, gewoonlik DJ-georiënteerde klanke met die voorkoms van die multi-etniese New York City-diskoklank uit die 1970's en 1980's, het 'n handelsmerk musiek geskep wat die meeste waardeer word in die groot diskoteke in stede soos Chicago, New York, Los Angeles, Detroit, Boston, ens. Uiteindelik het Europese gehore hierdie soort elektroniese dansmusiek met meer entoesiasme omhels as hul eweknieë in Noord-Amerika. Met hierdie veranderlike klanke kan die luisteraars hul blootstelling aan nuwe musiek en ritmes prioritiseer terwyl hulle 'n reuse-danservaring geniet.

In die latere helfte van die dekade, vanaf ongeveer 1986, het rap die hoofstroom met Run-D.M.C. Hel grootmaak, en die Beastie Boys ' Gelisensieer aan Ill, laasgenoemde word die eerste rap-album wat die eerste plek op die eerste plek inskryf Aanplakbord 200 en help om die deure vir wit kunstenaars om rap te doen, af te breek. Albei hierdie groepe het rap en rock saam gemeng, wat 'n beroep op rock- en rap-gehore gehad het. Hiphop het van sy wortels begin en die goue era hiphop het gefloreer met kunstenaars soos Eric B. & Rakim, Public Enemy, LL Cool J, Queen Latifah, Big Daddy Kane en Salt-N-Pepa. Hip Hop het in Amerika gewild geword tot in die laat 1990's, toe dit wêreldwyd gegaan het. Die toneel van die goue era sou in die vroeë negentigerjare uitsterf toe gangsta-rap en g-funk oorgeneem het, met kunstenaars van die weskus Dr. Dre, Snoop Dogg, Warren G en Ice Cube, die ooskus-kunstenaars Notorious BIG, Wu-Tang Clan , en Mobb Deep, en die klanke van stedelike swart manlike bravade, deernis en sosiale bewustheid wat die beste deur die rapper Tupac Shakur voorgestel word.

Terwyl heavy metal-musiek byna uitsluitlik in die 1970's en 1980's deur wit kunstenaars geskep is, was daar enkele uitsonderings. In 1988 behaal die all-black heavy metal-orkes Living Color hoofstroom-sukses met hul debuutalbum Aanskoulik, met 'n hoogtepunt van 6 op die Aanplakbord 200, danksy hul top 20-enkelsnit "Cult of Personality". Die musiek van die groep bevat lirieke wat aanval op wat hulle beskou as die Eurosentrisme en rassisme van Amerika. 'N Dekade later sou meer swart kunstenaars soos Lenny Kravitz, Body Count, Ben Harper en talle ander weer rock begin speel.

1990's, 2000's en 2010's Edit

Hedendaagse R&B, soos in die post-disco-weergawe van soulmusiek, het dwarsdeur die 1980's en 1990's gewild gebly. Manlike vokale groepe in die styl van sielegroepe soos The Temptations en The O'Jays was besonder gewild, waaronder New Edition, Boyz II Men, Jodeci, Dru Hill, Blackstreet en Jagged Edge. Meisiesgroepe, waaronder TLC, Destiny's Child, SWV en En Vogue, was ook baie suksesvol.

Sanger-liedjieskrywers soos R. Kelly, Mariah Carey, Montell Jordan, D'Angelo, Aaliyah en Raphael Saadiq van Tony! Toni! Toné! was ook gedurende die negentigerjare aansienlik gewild en kunstenaars, waaronder Mary J. Blige, Faith Evans en BLACKstreet, het 'n samesmeltingsmengsel bekend as hip-hop soul gewild. Die neo-sielbeweging van die negentigerjare het teruggekyk na meer klassieke sielinvloede en is in die laat 1990's / vroeë 2000's deur kunstenaars soos D'Angelo, Erykah Badu, Maxwell, Lauryn Hill, Indië, gewild gemaak. Arie, Alicia Keys, Jill Scott, Angie Stone, Bilal en Musiq Soulchild. Volgens een musiekskrywer, is D'Angelo se baie bekroonde album Voodoo (2000) "verteenwoordig Afro-Amerikaanse musiek op 'n kruispad. Om dit [net] neo-klassieke siel te noem. Sou wees om die elemente van vaudeville-jazz, Memphis-horings, ragtime-blues, funk en basgroewe te ignoreer, om nie te praat van hip -winkel, wat uit elke porie van hierdie spookagtige liedjies gly. ' [36] Blue-eyed soul is 'n invloed van Afro-Amerikaanse musiek wat deur wit kunstenaars uitgevoer word, waaronder Michael McDonald, Christina Aguilera, Amy Winehouse, Robin Thicke, Michael Bolton, Jon B., Lisa Stansfield, Teena Marie, Justin Timberlake, Joss Stone, George Michael en Anastacia.

Teen die eerste dekade van die 21ste eeu het R&B oorgeskakel na die klem op solo-kunstenaars met 'n pop-aantrekkingskrag, met Usher, Rihanna en Beyoncé die belangrikste voorbeelde. Verder is die musiek vergesel deur esteties kreatiewe en unieke musiekvideo's. Voorbeelde van hierdie tipe musiekvideo's sluit in, maar is nie beperk nie tot: 'Crazy in Love' van Beyoncé, 'Pon de Replay' van Rihanna en 'Caught Up' van Usher. Hierdie musiekvideo's het R&B gehelp om winsgewender en gewilder te word as in die negentigerjare. Die lyn tussen hip-hop en R&B en pop is aansienlik vervaag deur produsente soos Timbaland en Lil Jon en kunstenaars soos Missy Elliott, T-Pain, Nelly, Akon en OutKast.

"Stedelike musiek" en "stedelike radio" is vandag grootliks rasneutraal, [ aanhaling nodig ] terme wat sinoniem is met hip hop en R&B en die gepaardgaande hip-hop kultuur wat in New York City ontstaan ​​het. [ aanhaling nodig ] Die term weerspieël ook die feit dat dit gewild is in stedelike gebiede, binne swart bevolkingsentrums en onder die algemene bevolking (veral jonger gehore).

Die hip-hop-beweging het al hoe meer hoofstroom geword namate die musiekbedryf dit beheer oorgeneem het. In wese, "vanaf die oomblik dat 'Rapper's Delight' platinum geword het, het die volkskultuur hiphop geword in die Amerikaanse vertoningsbedryf." [37]

In Junie 2009 sterf Michael Jackson onverwags aan 'n hartstilstand, wat 'n wêreldwye uitstorting van hartseer veroorsaak. Binne 'n jaar na sy dood het sy boedel 1,4 miljard dollar aan inkomste opgelewer. 'N Dokumentêre film wat bestaan ​​uit repetisie-opnames vir Jackson's Hierdie is dit toer, getiteld Michael Jackson se This Is It, is op 28 Oktober 2009 vrygestel en word die konsertfilm wat die meeste in die geskiedenis verdien. [38]

In 2013 het geen Afro-Amerikaanse musikant 'n Aanplakbord Warm 100 nommer een. Dit was die eerste keer dat daar geen nommer een in 'n jaar in die 55-jarige geskiedenis van 'n Afro-Amerikaner was nie. [39]

Planne vir 'n Smithsonian-geaffilieerde Museum vir Afro-Amerikaanse musiek wat in Newark, New Jersey, en 'n R&B museum / hall of fame gebou moet word, is bespreek. [ aanhaling nodig ]

Blanke meisies soos Cher Lloyd het Afro-Amerikaanse taalgebruik in hul musiek gebruik. [40]

In die laat 2010's het trap-musiek baie gewild geword en versprei van Atlanta na Afrika-lande soos Ghana, Suid-Afrika en Kameroen. [41]

Drake, wat half Afro-Amerikaner is en homself as swart beskou [42], het die Beatles-rekord gebreek omdat hy sewe gelyktydige enkelsnitte op Billboards Top 10. gehad het. [43] Ander bekende Afro-Amerikaners in Hip-Hop in die 2000's en die 2010's was Lil Wayne, Kanye West , Kendrick Lamar, 50 Cent, Snoop Dogg en Jay-Z. [44]

Boormusiek wat in die 2010's deur die Chicago-rapper Chief Keef gewild is, word gekritiseer omdat dit die Afro-Amerikaanse misdaadsyfer in Chicago verhoog het. Ander bekende Afro-Amerikaanse boorkunstenaars is Lil Durk, Lil Reese, Lil Bibby, Polo G en G Herbo. [45]

Trey Songz, Jeremih en Chris Brown is gewilde Afro-Amerikaanse R & B-sangers van die 2000's en die 2010's.

Nog 'n gewilde genre wat deur Afro-Amerikaners uitgevoer word, is gangsta rap. Afro-Amerikaanse gangsta-rappers sluit in YG, Jay Rock en The Game.

Wit rappers soos Post Malone en Iggy Azalea word daarvan beskuldig dat hulle Afro-Amerikaanse musiek toegeëien het. [47] [48]

Onlangs word Latin-trap en Mexikaanse chicano-rap beïnvloed deur Afro-Amerikaanse musiek. [49] [50]

In 2019 behaal die swart country-rapper Lil Nas X 'n sukses van die kaart met sy enkelsnit "Old Town Road" met Billy Ray Cyrus, hoewel Afro-Amerikaners al jare lank countrymusiek uitvoer en die genre beïnvloed. [51] Hy word die eerste openlik gay swart kunstenaar wat 'n boeremusiektoekenning by die CMA-toekennings verower. [52]

In 2015 het Jay-Z TIDAL, 'n musiekstroomdiens, bekendgestel. [53]

Rappers soos Kendrick Lamar gebruik hiphop as 'n politieke platform vir Afro-Amerikaners. [54]

Christian Edit

Sekulêre wysiging

  • Jazz
    • Ragtime
    • Swaai
    • Bebop
  • Blues
    • Boogie woogie
    • Delta Blues
  • Boeremusiek [55]
  • Rock and roll
  • Zydeco
  • Funk
    • Gaan gaan
    • Nuwe domkrag swaai
  • Ritme en blues
    • Hedendaagse R&B
      • Stil storm
  • Sielsmusiek
    • Neo siel
  • Hip hop
    • Suidelike rap
  • Barbershop musiek
  • Disco
  • huis Musiek
  • Kruik band musiek
  • Skiffle

Platewinkels het baie dekades lank 'n belangrike rol in Afro-Amerikaanse gemeenskappe gespeel. In die 1960's en 1970's het tussen 500 en 1 000 platewinkels in swart besit in die Amerikaanse suide bedryf, en waarskynlik twee keer soveel in die Verenigde State as 'n geheel. Afro-Amerikaanse entrepreneurs het platewinkels omhels as belangrike voertuie vir ekonomiese bemagtiging en kritieke openbare ruimtes vir swart verbruikers in 'n tyd wat baie ondernemings in swart besit te midde van desegregasie gesluit het. [56] Daarbenewens het talle Afro-Amerikaners geld verdien as musikale kunstenaars, klub-eienaars, radio-deejays, konsertpromotors en eienaars van plate-etikette.


Gesproke woordkunstenaar spoeg 'bom-poësie' oor tweetalig

Aan die "sensitiewe ore" en "suur monde" wat nie die "pittige taal" of "spoeg van onnoselheid in Anacristina Chapa" kan verdra nie, word hierdie een aan u opgedra, volledig deur die jong digter gebring. W ...

Ashley Pickens

  • Deel hierdie artikel op Facebook
  • Deel hierdie artikel op Twitter
  • Deel hierdie artikel op Tumblr
  • Deel hierdie artikel op Pinit
  • + addisionele aandeelopsies bygevoeg
  • Druk hierdie artikel uit
  • Druk hierdie artikel uit
  • Druk hierdie artikel uit
  • Druk hierdie artikel uit
  • Deel hierdie artikel op Print
  • Druk hierdie artikel uit

Aan die "sensitiewe ore" en "suur monde" wat nie die "pittige taal" of "spoeg van onnoselheid in Anacristina Chapa" kan verdra nie, word hierdie een aan u opgedra, volledig deur die jong digter gebring. Skryf oor nou poësie debuteer die Texas-gebonde regstreekse uitvoering van die Latinx-gedig getiteld “On Being Bilingual.”

Becky G oor die speel van 'n Badass Latinx-superheld in 'Power Rangers'

Chapa roep diegene op wat probeer om onkundige stellings soos 'dit is Amerika, ons praat Amerikaans' te regverdig, deur te beweer dat selfs haar '87-jarige' buelita jou sal vertel dat Engels nie 'n taal is nie. '

Die jong vrou breek dan die muur af wat Trump probeer bou het om hierdie Verenigde State te verdeel deur te verklaar: 'My tweetalige tong sê' f ** k jou muur. ' Chapa verwys na die verdelende grensprojek van $ 497 miljoen dollar, waarin materiaal reeds in een van die grootste Latino-bevolkte stede in die Verenigde State begin vervaardig is, volgens die perssekretaris van die Withuis, Sean Spicer.

Ds Jesse Jackson hou glo daarvan dat Latino's die Trump-grensmuur bou aan 'Swartes wat slaaf bou ...

Ten spyte van die isolerende retoriek en aksies wat uit die hoofstad van die land spruit, vier die jong liriekskrywer haar tweeslagtige tong deur te beskryf hoe dit "buite die boks" kleur. Soms strooi sy '' 'n bietjie Engels in haar Spaans '' en ander kere 'aksentueer sy' haar Spaans met Engels. ' Chapa also gives a nod to the scientifically-proven benefits of bilingual speakers including, but not limited to problem-solving and multitasking skills, delay in dementia, concentration and, of course, the ability to write “bomb ass poetry.”

Interview: Millennial Spoken Word Artist Nina Donovan On Her Viral Poem “Nasty Woman”

Anacristina rounds out her verses with an empowering rhetoric to speak on behalf of all multi-language speakers, dedicated to their antagonists: “I suggest you keep your white wash out of everybody else’s vibrant sea because I assure you, we have a song in our chest so loud that not even today’s presidency could silence it. We have dreams so big an orange man with tiny hands could only dream of grasping, so he can come for our homes, our cars and whatever else we might own, but they will never take our voice or drive to succeed…” She assumes that the ears who are blessed with her words have a heart, and wishes that her message travels from her 8 oz organ to their’s, closing with the hope that any critic’s mind is blown open “to all the beauty that this world holds.”


Making Art to Make a Change: Championing LGBT Artists Across the Country

On November 23, the White House honored nine Champions of Change for their use of art to advocate for the LGBT community. The Champions shared their stories about how they use various art media to illuminate the experiences of LGBT Americans and create opportunities for dialogue, inclusion, and understanding.

Through the panel discussions during the day, Champions shed a light on the importance of artists in the fight for equality and in securing real, lasting change in the way that communities accept and understand LGBT people. Whether it was photography, filmmaking, arts education, or curating multicultural arts events, the Champions explained the link between their artistry and truly making a difference in how LGBT people are treated.

The event also featured remarks by Senior Advisor to the President Valerie Jarrett and Secretary for the United States Department of Housing and Urban Development Julián Castro. We were also joined by members of the cast and crew of Amazon Studios’ television series Transparent and Focus Features’ film The Danish Girl, as well as representatives from the Ally Coalition.

The event also marked an important day in the LGBT community, Transgender Day of Remembrance, which was observed on Friday, November 20. Secretary Castro announced a Proposed Rule from the U.S. Department of Housing and Urban Development on gender identity and equal access to sex-segregated facilities, including homeless shelters, for transgender and gender nonconforming Americans.

Here are some personal reflections that the Champions shared with us before the event:

Steven Romeo

I got my start as an organizer in my high school years. I worked very closely with a teacher to raise awareness and funds for cancer research with Relay For Life, but what I did not realize is that I would become a progressive organizer and use my talents as a photographer to create change. My first collection, Embody Progress drove me to found The Change Project, and has over 150 images in the collection. It just felt necessary to highlight the voices of southern queers. We get so little recognition for national media, and it is time that people start realizing that LGBTQ people want to thrive here too. I hope my artwork shows that.

The Change Project recognizes that each person's experiences are uniquely theirs and believes that all people should be able to share their story. The Change Project brings greater visibility to the experiences of all LGBTQ people and raise awareness of the privileges individuals may carry within all aspects of their identities. We also highlight the intersectionality inherent in human identity and demonstrate how understanding this intersectionality is important in order to achieve social equality. By supporting LGBTQ people through highly-visible campaigns, we counteract stigma and prejudice against LGBTQ people. By sharing the stories of individuals of diverse backgrounds, we seek to destabilize the societal obstacles for LGBTQ people of multiple, concomitant identities. Finally, by creating educational resources that are driven by lived experiences, we can create a world where LGBTQ people feel safe and secure.

Steven Romeo is the Founder and Director of The Change Project, founded in 2012.

Lee Levingston

For as long as I can remember, I have been bringing people together. I founded Makers Lab in 2014 because I wanted to build community on a larger scale. Through Makers Lab, I create experiences that celebrate life, art, and queer culture. I am passionate about designing a variety of safe, accessible spaces where queer people can come together to share, connect and celebrate. Makers Lab events include everything from art showcases to film screenings to dance parties. It’s been incredible to connect with other creative to curate events designed by, for, and about queer communities.

It wasn’t until Makers Lab that I began to consider myself an artist, activist, and community builder. This work is so important and I am honored to be recognized as a Champion of Change. I look forward to growing Makers Lab, collaborating with amazing people and creating even more dynamic experiences.

Lee Levingston Perine is the Founder of Makers Lab.

Marco Castro-Bojorquez

I made my new documentary, El canto del colibrí, because of the lack of family acceptance in most marginalized communities. Some families of color lack the resources to understand their children’s journey as they come out of the closet or as they transition. Two completely different experiences that most of the time are lumped together.

I wanted to create a film that reflected the strength and the resiliency of Latino immigrant fathers, their families and their communities. I met amazing people whom without much difficulty, opened their hearts. We certainly were able to perceive their sophisticated and simple approach to parenting—all centered in the love that parent and child have for one another. But a type of love without limits or conditions. They said that what they felt for their children is absolute and it made them a better person.

There was a lot of heartbreak during the process of making the film. During post-production, I learned that my own father was gravely sick and I had to go to Mexico immediately. He never saw the final product, but I told him about it. I’ll treasure that moment and I’ve dedicated the film to him, Camilo Castro from La Reforma, Sinaloa, Mexico.

Marco Castro-Bojorquez is the Community Educator Lambda Legal’s Western Regional Office. Most recently, he directed the documentary El canto del colibrí (The Hummingbird’s Song). @Bojorquez @DelColibri @LambdaLegal

When I was 15-years-old— a student at an all-girls boarding school in Maryland, there was an optional field trip to see the AIDS Quilt on the Mall in Washington DC. It was 1996 and the quilt had gotten so large that this occasion would be the last time the quilt would be laid out in its entirety. I was the only student who went to see this massive display. The magnitude of the quilt was sobering, so many people had passed away, not only from the biological effects of the virus, but from being denied health care, treatment, and services that would have enabled them to live. The quilt gave me my first glimpse of queer images, symbols, and vocabulary.

Twenty years later, my work continues to critically engage with urgent issues tied to the ongoing AIDS epidemic. Currently, I am excited about two projects that are in production. One is an experimental film titled, “Inflamed: A Litany for Burning Condoms.” I created this film with Niknaz, an Iranian feminist film maker, and two other collaborators, Chaplain Christopher Jones, and activist Theodore Kerr. This experimental film, shot on 16mm, is based on a poster made by Jones and Kerr for poster/VIRUS—a project out of Toronto. We hope to show the film at upcoming festivals and gallery exhibitions. I am also thrilled that I’ll be collaborating with several other artists and activists in conjunction with the organization, Visual AIDS to make a sex positive women-centered safer sex kit as part of their PLAY SMART series. The kit will be distributed for free as part of the Agitprop! exhibition at the Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art at the Brooklyn Museum.

LJ Roberts is an artist and writer who splits their time between Brooklyn, NY and Joshua Tree, CA.

Fiona Dawson

I'm one of those people who grew up wanting to "save the world." I left my home in England at age 21 to volunteer in Bangladesh and ended up moving to Houston, Texas in 2000. There, I worked in the nonprofit sector helping people living with HIV/AIDS and promoted LGBT causes. In 2012, when I realized that the repeal of "Don't Ask, Don't Tell" did not allow transgender people to serve openly I was outraged. Many of us had poured our blood, sweat and tears into that work, and yet our mission wasn't complete. It was then I truly came to see the difference between sexual orientation and gender inequality, and I started the TransMilitary project.

Today, as a bisexual woman it's important for me to be visible with my own sexual orientation to help end bi-phobia, but my work is focused on advocating for transgender rights. Through TransMilitary I wish to not only assist in lifting the ban on transgender people serving, but also contribute to changing how people are viewed in general. I believe when we come to know a diversity of mighty soldiers, sailors, airmen and marines honorably serving our country, society can see that they and their civilian counterparts deserve the equal rights and respect they so fiercely protect.

Fiona Dawson is the founder of the TransMilitary project and Director and Producer of “Transgender, at War and in Love,” commissioned by The New York Times

Jess T. Dugan

For the past decade, I have been making photographs that explore issues of gender, sexuality, identity, and community. I believe deeply in the ability of photography to tell stories, encourage dialogue, and inspire social change.

For the past two years, I have been traveling throughout the United States making To Survive on this Shore: Photographs and Interviews with Transgender and Gender-Variant Older Adults. This project combines photographs of transgender and gender-variant people over the age of fifty with interviews about their life experiences and provides an intimate view into the complexities of aging as a transgender person. I intentionally seek out subjects whose lived experiences exist within the complex intersections of gender identity, age, race, ethnicity, sexuality, socioeconomic class, and geographic location. Every narrative exemplifies both struggle and joy, often complementary aspects of the same experience.

For the interviews, I am collaborating with Vanessa Fabbre, Ph.D., Assistant Professor of Social Work at Washington University in St. Louis, whose research focuses on the intersection of aging and LGBTQ issues. To date, we have photographed and interviewed 42 people throughout the country and plan to present the project as both a book and a fine art exhibition.

Jess T. Dugan is a fine art photographer.

Joanna Hoffman

I’ve been writing poetry from a young age. As I got more involved in the spoken word poetry community, I became increasingly conscious of how being given a microphone in a room full of people, whether at a conference, a performance venue, or a classroom, is an opportunity, a responsibility and a privilege. In my poetry, I’m only qualified to speak about my own experiences as a white, queer, cis-gender woman, and I know that my voice being heard may mean that others aren’t.

When I perform my poems, either as individual pieces or as my one-woman show, The Personal is Political: These Simple Truths, I’m sharing my experiences with internalized homophobia, hate crimes, mental health and substance abuse in the hopes of sparking dialogue and encouraging the audience to write and share their own stories. I love facilitating writing workshops with LGBTQI writers, which I’ve had the honor of doing through the Brooklyn Community Pride Center, and watching how a discussion can lead to artistic creation.

I don’t believe that “it gets better” for everyone. I think it’s up to all of us to make it better by working to create and support truly safe spaces for essential stories to be heard so that people feel less alone in their experiences. It’s my dream to use poetry and performance art as tools to effectively counter bullying in schools, because I believe that art has the potential to inspire empathy, compassion and change.

Joanna Hoffman is an award-winning spoken word poet, author of Running for Trap Doors, and teaching artist living in Brooklyn, New York. She works at non-profit organization Peace is Loud.

Pidgeon Pagonis

My work is rooted in being born intersex and experiencing irreversible non-consensual “normalizing” surgeries. Intersex is an umbrella term for people born with biological sex characteristics that don’t fit neatly into typical binary notions of male or female. The UN recognizes these surgeries as human rights violations, and estimates that between 0.05% and 1.7% of the population is born with intersex traits. The higher estimate is similar to the amount of red heads which means if you’ve met someone with red hair then you’ve probably met an intersex person as well!

To help create a more just world for intersex people I focus on education, empowerment and organizing. I raise awareness by sharing my experience with media, in print and in presentations. I empower my community by facilitating workshops and hosting online events focused on unleashing participants’ inner storytelling power. I organize global Intersex Awareness Day events and actions and am the former InterACT Youth Coordinator for Advocates for Informed Choice’s leadership program for young intersex advocates.

Pidgeon Pagonis is an intersex person, filmmaker and organizer based in Chicago, Illinois and orchestrated the recent #IntersexStories twitterstorm where they co-launched a ‘We The People’ petition.

As a child, I always had a passion for the arts. I remember as a 7-year-old boy, I wanted to star in horror movies when I got older. This passion followed me into my teen years, where I took drama classes, and eventually joined a non-profit theatre and social justice organization called City at Peace. This program opened my eyes and heart around social justice issues, and a passion around not only the arts, but also creating change around LGBTQ issues.

As I was developing the “Breaking Ground” program, I was reflecting on how I could reach out to my LGBTQ youth of color in an artistic way, that way that would also create change. I’ve had years of working with LGBTQ youth of color and their stories needed to be heard! I could no longer sit stagnant as the world ignored the important and unique issues this community dealt with as young people, from HIV/AIDS to homelessness and much more. I also knew these young people needed a platform to tell their stories, and provide a positive resolution. The healing is a necessity!

AJ King is currently the Sexual Wellness Youth Developer at Latin American Youth Center, as well as Vice President of Impulse: DC through the AIDS Healthcare Foundation.


Kyk die video: Afrikaner ontdek Amerikaanse Hardewarewinkel, Afrikaner in Amerika, Gereedskap, Hardeware, Afrikaans


Vorige Artikel

20 Viëtnamese geregte en drankies wat u moet probeer

Volgende Artikel

8 kommentaar Spaanse mense is moeg vir gehoor